jueves, 21 de enero de 2010

El Peligro de las Aguas


Crítica de música/ Pedro Barrientos

4º Concierto del 16º Ciclo de Música Contemporánea de Málaga





Lugar: Teatro Cánovas, Lunes 18 de Enero de 2010

Intérprete: MANUEL ESCALANTE (piano)


Obras de :
- FEDERICO IBARRA    …………. Sonata II para piano – Lento con forza
- MARCELA RODRIGEZ……….....Como agua en el agua
- ANA LARA……………………….Pegaso- Expresivo-Presto-Lento-Vivo-Lento-
                                                                          Molto leggero
- ALBERTO GINASTERA…………Sonata nº 2 op.53  - I  Allegramente
                                                                                           -II  Adagio sereno-Scorrevole-
                                                                                                 Ripresa dell´Adagio
                                                                                           -III Ostinato Aymará
- FRANCISCO JAVIER TORRES….Dime adiós
- TOMÁS MARCO………………….Fetiches
                                                             Sonata Atlántica  -Va y vén
                • Mar de los ecos
                • Oleaje de olvidos y memoria
                                                             Jardín de Hespérides
 
La crítica.


Progreso no es inercia . He creído siempre que la formula y el orden de parámetros en los que se constituye una Obra de Arte han existido desde el principio de los tiempos, y esta, es una entidad propia. Cuando es extraída del catalogo infinito , se produce una acción que perfila el contorno de la forma en la que se dibuja el futuro , dando motivos a la evolución del espíritu.

Existen mundos tangibles y etéreos, siempre inmersos en innumerables guerras, pero todos están dentro de nosotros y son reales.

Éramos veintiséis personas las que llenábamos el aforo del Teatro Cánovas ayer. Un concierto que tradujo mi mente en muchos idiomas. El Pianista mexicano Manuel Escalante abordó un repertorio comprometido, con obras de difícil ejecución mecánica. La Sonata II de Federico Ibarra, de estilo pianístico muy estereotipado con evidentes estructuras tonales y armonías muy densas. En la parte final de la obra me quedé atrapado gratamente con una resolución en pianisimo, no es para escuchar una sola vez. “Como agua en el agua” es una apuesta  en la que se podían escuchar  gotas y torrentes, no sé si la descripción al pie de la letra en nuestras expresiones nos podría llevar a Marcela Rodríguez y al auditorio a acabar hechos unas sopas. No se equivoquen y relean. Yo vi , como se define en “La Teoría de Cuerdas” universos paralelos varios , no se debe ser categórico, ya que las cascadas portan el agua con humores diluidos.

“Pegaso” de la compositora Ana Lara nos prestaba su extracto emparentado a mundos explorados por Eric Satie, con resultados que parecen sencillos , pero guardan ambrosía.

De pronto se abre un abismo... cuando el artífice mago desgrana nota a nota un gran motivo o excusa para evolucionar, con un idioma visionario y rotundo; y es que la innovación no es hija de lo desconocido, sino que la Sonata 2 de Alberto Ginastera es un ente independiente  autosuficiente. Solo bastan escuchar sus primeras notas para atender a su llamada, quedando en cueros ante tal ímpetu.

“Dime adiós” de Francisco Javier Torres empieza con una forma similar a lo que los guitarristas flamencos denominan un “bordoneo”; coincido con el pensamiento trasgresor de anular los clichés con los que son tratados los instrumentos musicales, aunque cuando yo optara por borrar, preferiría esbozar sobre la nada. La criatura se cría de forma mas libre.

Las propuestas de Tomás Marco pasearon por un suelo lleno de ramas que se abrían, ofreciendo un trabajo concienzudo sobre los armónicos y producción de masas sonoras con las resultantes de estos. 

Montón de clusters  haciendo honor a su condición. Así se escuchó en “Fetiches”.

“Jardín de Hespérides” y “Sonata Atlántica”  volaron gráciles en un cielo que yo no vislumbraba; por esto haré caso a mis padres: ¡niño , si no lo has visto no puedes opinar!


-   ¡Oye ¡ ¿pican ?
-   Mira…. preocúpate solo de traer una buena pelliza porque hace un frío que pela. 
 
 



                              

Un musical coreográfico

Crítica de Teatro musical/ José Antonio Triguero.
XXVII Festival de Teatro de Málaga.
Foto: Stage Entertaiment.

Lugar: Teatro Cervantes, 15 de enero de 2010.
Obra: Fiebre del Sábado Noche.
Productora: Stage Entertaiment.
Autor: Nik Cohn. Adaptación: Nan Knighton y otros.
Intérpretes: Juan Pablo Di Pace, Zenón Recalde, Bea Álvarez e Isabel Malavia entre otros.
Coreografía y dirección: Karen Bruce.

En la época en la que se estrenara la película, no me gustó nada. Y aún hoy me parece un argumento insultante. Razones: la imagen boba, chulesca, analfabeta y machista que se da de la juventud. Los bailes, en el film, son ingenuos hasta la risa, las poses idiotizantes, la interpretación ridícula y una música, la de los Bee Gees que, aunque estridente y chillona, supera el cocktail con creces. Y no es que entre la juventud no hubiera o haya machitos de discoteca o de after, según el caso, pero las tribus urbanas han sido y son algo más.

"Fiebre del sábado noche" es un exponente del mal gusto, primo hermano del frikismo y del telefilme de sobremesa. Por suerte la versión de teatro musical que aplaudimos en el Teatro Cervantes, elimina o minimiza los detalles más groseros y desagradables del original en la gran pantalla. No en vano estamos hablando de un musical, cosa que la película no era. Las míticas "Night Fever", "More than a woman", "Staying alive" y "How deep is your love" superan el ambiente macarra en esta producción de Stage Entertainment para brillar por sí solo con unas coreografías deslumbrantes y unas voces de lujo. Se incluyen, además, temas como "Disco Inferno" para redondear. El ritmo del espectáculo te hace olvidar una historia, en mi opinión, obsoleta incluso cuando se estrenó a finales de los 70. Los apuntes teatrales sobran, pero como son rápidos, hacen de puente entre un número musical y otro. Por ejemplo las escenas con los padres fallan con un excesivo costumbrismo en las caracterizaciones.

Los bailes son lo mejor del espectáculo; el volumen, el movimiento y las evoluciones del cuerpo de baile deviene en un uso del espacio escénico elegante y vibrante. En cambio con el texto, la frontalidad excesiva deja paso a la tibieza y la falta de rítmo. De hecho, cuando hablan encima de la música existe una continuidad necesaria y los momentos donde la música se para es insostenible, los diálogos quedan descolgados, faltos de credibilidad. La escenografía es moderna, actual, con la caja técnica al descubierto, iluminada con profusión de colores y transformable en directo.

La "novia" despechada, Isabel Malavia, sobresale por su canto, es una diva pero se muestra recatada. Se echa de menos una actuación más show-woman que compense el protagonismo del más fuerte de la manada, Tony Manero, interpretado por un carismático y completo Juan Pablo Di Pace. Es quizás, el más equilibrado en los diferentes roles de cantante, actor y bailarín. Para mí, supera a Travolta en la versión del celuloide. Es espectacular. Monty, Zenón Recalde, es la pieza clave que dispara el humor en este musical, muy bien dosificado a lo largo de toda la actuación. Su voz de rockero le delata, eso sí, pero es una licencia con la que se gana en fuerza y enriquece la propuesta al unir varios personajes en uno.

miércoles, 20 de enero de 2010

Agenda Teatro Cánovas y Sala Gades


23-ENE 21:00H 13€
24-ENE 19:30H 13€
TEATRO CANOVAS/ TEATRO
Proyecto Handke
Patadas”
Una obra de Antonio Álamo
Dirección: Ramón Bocanegra

Antonio Álamo se inspira en la obra de Peter Handke El miedo del portero ante el penalti para este proyecto personal y arriesgado creado en colaboración con Josu Eguskiza

El escenario representa el área de meta de un campo de fútbol, con su portería de 7,32 metros de largo por 2,44 metros de altura. Aparentemente Patadas es una obra para un solo actor. Pero también está la multitud. Y la pelota. Y sus once enemigos.




23,24-ENE 20:00H 13€
SALA GADES/ DANZA
Shantala Shivalingappa
Namasya”
Dirección e interpretación:
Shantala Shivalingappa

La bailarina hindú Shantala Shivalingappa, que desde hace años pertenece al cuerpo de baile de Pina Bausch, nos sumergirá en un baño de serenidad, suavidad y sensualidad gracias a su expresión distendida y sonriente y la expresividad de su rostro, sus manos y su cuerpo.







martes, 19 de enero de 2010

Lo más contemporáneo del ciclo


Reportaje/ Miguel A Barba


 Sax Ensemble.


Contenidos

La noche del viernes 15 de enero, pudimos asistir en el Teatro Cánovas, dentro del 16º Ciclo de Música Contemporánea de Málaga, a un buen 3º concierto protagonizado por la Sax Ensemble, una formación bastante flexible en sus diferentes presentaciones pues puede alternar interpretaciones con muy diferentes instrumentos, según las necesidades de las obras y partituras que en cada momento lleven a los escenarios (cuerdas, teclados, metales, madera, percusiones...).

Para esta ocasión nos presentaron la obra “Teatro de la Memoria”, del músico madrileño Tomás Marco Aragón, que no en vano atesora premios como el Nacional de Música, el de la Comunidad de Madrid o el Nacional de Radiodifusión y un Premio Ondas por su trabajo en Radio Nacional de España.

Todos estos reconocimientos no hacen más que avalar una muy interesante carrera creativa que pudo verse reflejada en la amplia panoplia de recursos desplegados en la partitura de anoche: atmósferas, juegos de emociones, sensaciones contrapuestas, disonancias imposibles, matemáticas, equilibrios y desequilibrios, ritmos sincopados, rupturas, silencios...


Lo contemporáneo, tema movido.
Foto: Miguel A Barba.

Consideraciones

Bien es cierto que, según opinión de algunos espectadores, hay música contemporánea que está mostrando cada vez más signos de previsibilidad o en la de otros, que es una lástima que en determinados momentos musicales se llegue a un climax que bien pudiera ser desarrollado en pro de una partitura más completa y diversificada, pero que se tiende sistemáticamente a romper ya sea con una disonancia, una estridencia, un silencio o un ditirambo. Es como si se temiera componer melodías reconocibles o ritmos excesivamente elaborados, evolucionados o progresivos. Quizá para que no pueda ser calificada de clásica.

Para unos terceros escasea el riesgo o la tangencialidad del límite. De todos modos no puede decirse que la Música Contemporánea sea plato del gusto de muchos en nuestra ciudad, prueba de ello es que no aglutina muchos espectadores, con lo que las críticas que vienen desde dentro del mismo mundo de las vanguardias musicales no hacen más que debilitarla aún más. Otra cosa son las críticas venidas desde esferas musicales más clásicas o, a decir de algunas personas, más relajadas y entendibles. Pero esa es otra controversia.


Pilar Jurado, de lo mejor.

 

El concierto

La noche se inició con una primera pieza de piano y percusiones a los que se sumaban los metales interpretados de modo percusivo, muy sugestivo, que nos transportaba a una parte segunda ejecutada por los saxos barítono y bajo, con el concurso de las percusiones y el sintetizador que ampliaba las posibilidades de explorar muchos otros sonidos e instrumentos.

En la tercera de las partes aparecía en escena una magnífica Pilar Jurado que nos mostró como jugar a los agudos con el sopranino y el soprano, llegando en algunos casos a sonidos más que agudos, acerados e incluso punzantes, pero con sutilezas de por medio.


Avanzando en la obra a través de un sugestivo y cautivador intercambio entre los dos percusionistas en el que se apreciaban juegos de estéreo entre dos cajas orquestales y otros instrumentos de percusión y los dos teclados: piano y sintetizador, se llegaba a un fascinante clímax en el que un atrayente acercamiento de la voz fantástica de la soprano a cada uno de los instrumentos, a veces sugiriendo un aria, otrora un dueto, culminó con un amplio acervo de tonalidades, timbres, gorgoritos... acorde con las particularidades de cada instrumento. Muy bellas las sensaciones producidas por la voz proyectada en la caja de resonancia del piano y la reverberación de sus armónicos y sus modulaciones.



Ángel Gi-Ordóñez, dirigiendo.
Foto: Tom Wolf.

 
Ambiente sonoro

De este modo continuó la velada entre aventuradas disonancias percusivas, rítmicas y tímbricas, y atmósferas emocionales que desembocaron en un mano a mano de los percusionistas en un, por momentos espectacular duo de marimbas que, en mi caso me evocaron los trajines, idas y venidas, de las típicas caravanas de hormigas. Gran ejecución por parte de ambos músicos. Esta pieza nos adentró en un sugerente y puro sexteto de saxos que, por momentos, recordaba a esas escenas intimistas de cine de autor que nos transportaron, tras una parte de piano demostrativa de la calidad de la pianista, a un final con potentes percusiones, con importante protagonismo del gong y los timbales en los graves, contrastados con los agudos de las frases cantadas, certeramente introducidas. Adecuado final para una noche agradable y entretenida, con momentos de interesantes sugerencias, con una gran interpretación y dirección y una excelente soprano.




El Teatro Cánovas.



Motivador después

Fuera, en los pasillos, era inevitable el aguzar el oído para recabar comentarios, sensaciones y/o críticas. Quizá lo más interesante es el hecho de que moviera al intercambio de opiniones, a la controversia o al debate, eso es señal de que no dejó a nadie indiferente. Quizá uno de los objetivos de cualquier creación artística.


lunes, 18 de enero de 2010

Un clásico en 1970

Crítica de teatro/ Miguel A Barba



Lugar: Sala Gades, domingo 17 de enero de 2010
Obra: Sin honra no hay amistad
Autor: Francisco de Rojas Zorrilla
Compañía: Rezuma Teatro
Actores: Luis Felpeto, Antonio Chamizo, Juan Carlos Rueda, Jeromo Del Valle, Sardo Irisarri, Celia Nadal, Laura Torregrosa y Marisol López.
Adaptación y dirección: Juanma Navas.


Este fin de semana asistimos a una divertida puesta en escena y no menos curiosa adaptación de la obra de Francisco de Rojas Zorrilla “Sin honra no hay amistad”. En ella se emplaza la acción de esta comedia del siglo de oro en la década de los setenta del siglo pasado, gracias a la reescritura del texto original realizada por Juanma Navas, quien a su vez dirige la compañía.


Parece que este gran salto en el tiempo desde el año 1635, donde imperaban las capas, las espadas y los duelos por honra y amor, hasta hoy, no le sienta mal a la obra, al texto y a los personajes, por los cuales no pasan los años y, una vez más, se demuestra que hay temas recurrentes que no caducan: la amistad,  los desencuentros amorosos, el honor y la honra.


Los personajes transmutan bien y se adaptan a sus nuevos roles; en ello tiene mucho que ver el trabajo de los actores y actrices. Evidentemente a unos les ha sentado mejor que a otros el cambio de época.


El personaje de Melchor ha encajado perfectamente la metamorfosis, cargado a las espaldas de Luis Felpeto, actor enérgico, maleable y plástico (en los buenos sentidos de las palabras) y fresco.


Juana gana mucho con el paso de los años gracias al papel desarrollado por Celia Nadal. Ora torbellino eléctrico en una escena, otrora íntima e introvertida. Luis y Celia, ágiles en el verso, evitan rebajar a éstos a meros textos recitados.


El personaje de Inés pasa un poco desapercibido dado que en muchas ocasiones no se le entendía o no se le oía adecuadamente. Es justo reconocer que en muchas de esas ocasiones era por estar tapada por el sonido.


También es reseñable el trabajo de Sardo Irisarri en el papel de Sabañón: el gorrón, el celestino, el correveydile, el entrometido, el fisgón o el siempre dispuesto. Es muy curioso este actor/personaje; lo que mejor lo define es el hecho de que a veces parecía teletrasportarte al siglo XVII y de pronto al siglo XX.


Por lo demás una buena adaptación que, eliminando lo más retórico y haciendo pasar los textos con más difícil encaje por adaptaciones de canciones conocidas como noches de blanco satén, logró que el ritmo fuera dinámico y no decayera lo importante.

Investigación versus aburrimiento



Crítica de teatro/ José Antonio Triguero.
XXVII Festival de Teatro de Málaga.
Foto: Braojos.


Lugar: Teatro Echegaray, sábado 16 de enero de 2010.
Obra: "Historia de Juan nacido de un oso".
Autor, director, escenógrafo, vestuarista, actor y bardo: Albert Vidal.
Músicos: Xavier Macaya, Ricard Vallina y Pitu Andreu.

Albert Vidal es un creador omnipresente en todo lo que hace. Un creador total que, a pesar de convocar fuerzas telúricas y de ejercer como investigador riguroso para abrirse paso hacia la antropología teatral, no es capaz de librarse -quizás por que no quiere o porque su personalidad misma no le deja- de los vicios de la técnica del mimo;  técnica que domina como nadie pero que poco tiene que decir en un espectáculo como el que pudimos ver y oír en el Echegaray. Digo ésto porque las partes mimadas que incluye en el repertorio de "Historia de Juan nacido de un oso", lastran el rítmo y la exposición labrada de este viaje a las fuentes profundas del ser humano. Tanto es así que el resultado final es una actuación aburrida y tediosa a fuerza de contar la historia dos veces. Me explico: la rondalla, los versos cantados que interpreta magistralmente son suficientes para caminar por la tradición oral y enterarnos de una historia que tampoco tiene mucho que entender. Por lo que no es necesario que después, nos la vuelva a explicar con sus poses de mimo; ésto alarga la duración de la obra y redunda en lo que va contando con la palabra, el verso y la canción. En este sentido más bien parece una querencia por demostrar lo bien que lo hace, cuando de mimar se trata; es decir, que sobra la ilustración mímica de la historia y la exhibición vana de su ego de actor.

Lo mejor de la historia es cómo expone, a la manera antigua y pirenáica, la existencia de un ser salvaje, nacido de oso y mujer, condenado a caminar solo, a no amar y a no ser amado por nadie. Para que el bardo Vidal pueda transportarse hacia lo arcaico y hacia las esencias del origen del hombre son indispensables los tres músicos cuyos instrumentos dan la atmósfera justa, entre lo místico y lo humano. Éstos instrumentos, timbales barrocos, violín, viola, rabel, flabiol y mandolina -alguno más había que no logré indentificar- servían a Vidal como resortes para ejecutar sus gestos, igual que en oriente pasa con diferentes géneros representados o cantados.


La escenografía y el vestuario son también muy acertados y redondean el rito y el misterio que necesita para convertir su interpretación en una evocación de los poderes de la diosa Gea. Estos dos elementos reflejan la convivencia ancestral de lo popular con lo desconocido. Aunque la disposición de los músicos dejaban un vacío en el centro del escenario que daba también un resultado frío y distante; y más aún, cuando Vidal había eliminado, para esta ocasión, la participación del público y el humor que ésto provocaba. El actor invitaba al espectador a ayudarle en la parte mímica, lo que aliviaba el aburrimiento y motivaba la distensión entre los asistente, pero en el Echegaray no hizo nada de eso. Vean el siguiente vídeo y comprueben lo que nos perdimos.

sábado, 16 de enero de 2010

Una exposición de Idígoras

Ángel Idígoras en el Espaciu

Fotos: Javier Braojos
Texto: Pepa Zabala


El pasado dia 13 de enero de 2010, en el Espaciu, tuvo lugar la inaguracion de una estupenda exposicion de dibujos ineditos del artista malagueño Ángel Idígoras.






viernes, 15 de enero de 2010

Paco Mir en el Festival de Teatro de Málaga






Letras de Teatro / Comentario de Maite Serrano
Fotos: Breojo


El pasado Lunes, 11 de enero, se realizó una lectura dramatizada con motivo del XXVII Festival de Teatro de Málaga del texto "Don o Maldición" de Paco Mir a cargo de la compañía Pata Teatro con Macarena Pérez y Josemi Rodríguez. Fué una lectura fresca que fue aplaudida por el público asistente y alabada por el autor, que a su vez era la primera vez que la veía en escena, toda vez que fué solamente leída en las tablas del remozado teatro, antes cine, Echegaray.

Paco Mir es actor cómico, director de Tricicle y dramaturgo y se le conoce por los guiones y los skechts realizados por él para la pantalla pequeña. Para él, la televisión es como una fábrica, el teatro es distinto. Considera que el actor necesita de cocinas teatrales, ya que piensa que la base del teatro es el autor. Y que éste escribe para sí mismo esperando que el pequeño yo sea el de todos. Opina que un autor cómico no puede hacerse una "paja mental" pues no va a funcionar y que no hay nada peor que no se rían del chiste.

Como catalán, considera que el humor de su región es más escatológico, irónico y racional que el humor nacional, comparándolo en su ironía al humor inglés. Estoy en total desacuerdo con la apreciación del humor catalán como irónico, ya que creo que, hablando en términos generales a las catalanas y catalanes les cuesta entender el doble sentido del humor andaluz. Y no soy la única que piensa ésto. El siguiente fragmento del panegírico que Antonio Machado dedicó al maestro Giner de los Ríos viene aquí como anillo al dedo:

"Era don Francisco Giner un hombre incapaz de mentir e incapaz de callar la verdad; pero su espíritu fino, delicado, no podía adoptar la forma tosca y violenta de la franqueza catalana, derivaba necesariamente hacia la ironía, una ironía desconcertante y cáustica, con la cual no pretendía nunca herir o denigrar a su prójimo, sino mejorarle. Como todos los grandes andaluces, era don Francisco la viva antítesis del andaluz de pandereta, del andaluz mueble, jactancioso, hiperbolizante y amigo de lo que brilla y de lo que truena".



En las adaptaciones de textos cree necesario Paco Mir, respetar el ritmo del autor, y entender los chistes con la ayuda de los nativos. También considera más fácil adaptar que partir de cero.

A la pregunta de Norberto Rizzo, que actúo de moderador y presentador, sobre qué opinaba el director del Tricicle acerca de la crítica contestó que en España "a la crítica no hay que hacerle caso, ya que no es tan importante como en Nueva York".

Cuando actúa como productor piensa en los costes y se limita a la hora de crear.

A la pregunta del moderador sobre cuál era su opinión acerca de la S.G.A.E responde que es un monstruo que recauda un tanto por ciento muy elevado, pero que él lo vive como un mal menor.

Sobre la cuestión de actrices y actores que pasan del cine o la televisión al teatro con gran éxito de taquilla, replicó que muchos de ellos no saben técnicas teatrales y en consecuencia no hacen un buen teatro.

En cuanto al público dice que "no es crítico y se lo come todo", puso el ejemplo del festival Grec de Barcelona, que en los dos últimos años ha ofrecido una programación muy mala y nadie dice nada, según comentaba "todo se aguanta en esta época, todo vale".

Una joven autora le preguntó sí pensaba que hay que ponerse límites a la hora de escribir teatro, respondiendo que había que ser realista, "porque si escribes una obra para 300 actores seguramente el productor te mandará reducirla a 12 o a 3 actores".

Una de las ideas peregrinas de Paco Mir es que hay pocas mujeres autoras cómicas porque los hombres necesitan el humor para ligar y que las mujeres no necesitamos seducir. Tópicos en balanza que nos advierten de los prejuicios que algunos hombres de teatro no se preocupan de limar.

jueves, 14 de enero de 2010

¿Quién eclipsa al frio intelecto?


Crítica de música/ Pedro Barrientos

2º Concierto del 16º Ciclo de Música Contemporánea de Málaga



RICERCARE ENSEMBLE 
Director: Vicente Navasquillo
Obras: “Tauromaquia”  y “Autodafé” de Tomás Marco
            “Historia del soldado” . Suite de Igor Stravinsky

                                               
Mira por dónde, ayer me suelto el pelo hablando de toros y hoy cuando he llegado al Teatro Cánovas me encuentro que han programado una obra de Tomás Marco que se llama “Tauromaquia”; eso es hilar fino por parte del azar, cosas de la casualidad. Por cierto, he tenido la sensación de que ha sido la única obra del concierto que ha pasado un poco desapercibida. Me ha extrañado bastante, pues esta obra esta enraizada directamente en el periodo barroco tan amable al oído. Tauromaquia transcurre con formulas musicales usadas muy habitualmente por la estética contemporánea, trinos, motivos muy cortos en formas contrapuntisticas saltarinas, trémolos sorpresivos y demás piezas de puzzle con sabor polirrítmico. A la vez se estructuran bien los momentos de tensión-relajación y la obra posee cierto color vivo. Aun así, noté  escepticismo en los oyentes.

Todos sabemos que uno de los más consistentes pilares en los que se argumentaba la música barroca fue la “teoría de los afectos”, difíciles de descubrir en esta obra, aunque estaban de forma presente y sutilmente formulados por el maestro Marco.

El propio compositor, en la conferencia inaugural, decía que su música no debía ser escuchada o analizada con los mismos parámetros que utilizamos al oír o analizar una obra de un clásico. Tiene usted toda la razón Maestro, aunque pienso que habría que añadir una reflexión: que la nomenclatura con la que el oyente descifra el lenguaje discursivo musical, lleva implícita la emoción personal que traduce su propia cabeza y que también cambia con los tiempos. Ocurre que la emoción no es un valor en alza, ya que se presenta como un sentimiento que eclipsa al frío intelecto.

Me ha encantado la segunda obra de Tomás Marco, “Autodafé” y así se lo he expresado personalmente. Es una obra muy bonita. Equilibrada. Una espacialidad magistral que dispone a la orquesta a varios cambios de posicionamiento de los instrumentos de viento madera y metal in situ, resulta atrayente. Añade tres cajas de percusión dispuestas en triangulo, que define el perímetro de todos los instrumentos. Dos contrabajos, uno en cada lado del escenario muy abiertos, pero lo mas reconfortante , como en cada muestra artística es la capacidad de comunicar. Evocar en una obra musical debiera ser obligatorio; lo logra.

Felicito a Ricercare Ensemble y en especial a uno de sus violinistas Nicolae Ciocan, un joven músico con unas maneras extraordinarias y una gran expresividad directa, se lo premió el público asistente. La interpretación de la “Historia del soldado” fue memorable, y no digo perfecta, sino que queda en la memoria que es mas importante.

No voy a comentar esta obra de Igor Stravinsky que ha ocupado toda la segunda parte del concierto, se comenta ella sola, aunque me corre una pregunta por la cabeza a quién corresponda: ¿Porqué se programa a un clásico en un ciclo de música contemporánea? Sugiero con toda humildad y respeto, que ya que se llama Ciclo de Música Contemporánea, se dé cabida entre otras cosas a creadores contemporáneos, vivos (a ser posible) y con apuestas de vanguardia que aporten ideas nuevas , comprometidas y valientes. Ya sabemos que el gran Igor fue uno de los mas importantes padres de la contemporaneidad junto a Schönberg, Berg, Webern, Bartok y algunos mas,  pero estos genios, a los que recurrimos como referentes, son ya historia.  Siempre estarán vigentes como  Machaut, Monteverdi, Bach , Haydn , Beethoven, Brahms , Wagner , Malher etc.

Bueno …y ya puestos me pregunto yo… ¿Que es progreso?





                                                                            

Buen texto, buenos actores y una propuesta pobre

Crítica de teatro/ José Antonio Triguero.
  XXVII Festival de Teatro de Málaga.
Fotos: Braojos.


Lugar: Teatro Cervantes.
Fecha: 12 de enero.
Dirección: Tamzin Townsend.
Texto: J. P. Miller. Adaptación: David Serrano.
Reparto: Carmelo Gómez y Silvia Abascal.

Una obra (de teatro) que se mece en las mimbres de otra obra (de cine) no es meta-nada, más bien es un homenaje. Y los homenajes en clave de puesta en escena y muy señor mío  no son, en el caso del arte escénico, teatro vivo. Y si se trata de teatro muerto no es ni siquiera teatro.

Esta propuesta de Tamzin Townsend es esclava de la película de Blake Edwards del mismo título (1962). La directora se niega de esta manera el riesgo, el sudor y la sangre necesarios para conmover al espectador desde las tablas. En lugar de ello, se da al respetable una versión escénica muy tibia del texto, convencional y rutinaria que no va más allá de lo que hace 48 años plasmaran Jack Lemmon y Lee Remick en la gran pantalla.

En definitiva, la puesta en escena lo deja todo en manos del argumento y de los actores. Dicho de otro modo, a la historia le sobra un espacio escénico que es pobre, pretencioso y confuso: un forillo pintado mitad interior de la casa, mitad silueta desdibujada de los edificios de Nueva York, telón translúcido que sube y baja para crear un espacio delante y otro detrás de forma que limita y entorpece el movimiento escénico y las evoluciones de los dos actores o el salón comedor donde los muebles parecen trastos. Todo ésto unido al tratamiento y el uso de los objetos de escena -que no son puestos en valor en ningún momento, si exceptuamos la recurrente y pueril utilización del  juguete pato-, dan al traste con la posibilidad de llegar a las entrañas del texto, que sólo cuenta como aliado con la química que existe entre los dos protagonistas.

Sobresale Carmelo Gómez por su presencia escénica, su magnífica dicción y su interpretación, aunque hay que reconocer que ninguno de los dos atinan cuando están borrachos, él por su exagerada manera de hacernos ver que lo está y Silvia Abascal por no llegar; y de tal manera que en la fase terminal de su alcoholismo resulta blanda y falta de convicción. Esta es una obra de gran agitación interior, de violencia, de lucha con uno mismo. Sobrios lo consiguen, borrachos no. Y la razón es que no se llega al límite en la degradación de ellos mismos y de la propia casa. El simplón flash discotequero no ayuda precísamente a crear la atmósfera necesaria para la orgía de autodestrucción en la que están inmersos.

Carmelo Gómez se muestra previsible, se anticipa y anticipa lo que va a hacer, busca los objetos para chocar con ellos. Cuando no tiene que moverse gana en intensidad y convicción, interpreta con la voz y con las manos pero no con el cuerpo que responde muchas veces a destiempo, da la sensación de pelearse con su organicidad. Silvia Abascal queda en un discreto segundo término, no se le exige ir más allá; recaída tras recaída en el alcohol, su nivel de alcoholismo parece siempre el mismo.

Dos buenos actores desaprovechados por una dirección anodina. La escena del encuentro y despedida final en la que él prepara la mudanza en cajas para irse a España con su hijo, es prueba de ello; no tiene suficientes cosas para llenarlas, incluidos los cojines del sofá y el parquecito de cuando el niño era un bebé. Como no sea que se los lleva de recuerdo, no se atisba ninguna intencionalidad ni valor en los objetos. Y en el teatro, el paso del tiempo y los objetos son elementos fundamentales para jugar a creernos la historia que está pasando.


miércoles, 13 de enero de 2010

Todo correcto y...



El pasado 11 de Enero de 2010 se inauguró en el Teatro Cánovas de Málaga, el XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA con una conferencia de José Luis Pérez de Arteaga que presentó el libro "La creación musical como elemento de cultura" y que contó con la presencia del compositor homenajeado Tomás Marco Aragón. Como moderador intervino el coordinador del ciclo Fernando Anaya. La Camerata de Madrid fue la encargada de abrir la edición de este año con un programa que incluía obras de Gris, Marco, Balada, Montsalvatge y Brotons; a la batuta estuvo Carlos Cuesta y como solista a la guitarra, Javier García Moreno que interpretó la pieza de Tomás Marco "Almadraba" de su "Concierto del agua" para guitarra y orquesta.







CAMERATA DE MADRID


La Camerata de Madrid es una orquesta de cuerda formada por músicos de edades comprendidas entre los 25 y los 35 años, en su mayoría licenciados en el Conservatorio Superior de Madrid y actualmente profesores en conservatorios nacionales. Formada inicialmente por 15 músicos: 10 violines, 3 violas, 2 violonchelos y un contrabajo, tienen entre ellos al frente de la orquesta al concertino-director Manuel Guillén, con amplia experiencia como concertino de orquesta en la Orquesta Sinfónica de Madison –WI y la Juilliard Orchestra of New York en EE.UU., y en orquestas nacionales como la O.R.T.V.E., la Orquesta del Valles, la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona, o la Orquesta de Cámara Reina Sofía.

El Repertorio de la Orquesta es muy amplio, desde compositores barrocos como Bach, Vivaldi, Haëndel, Corelli o Telemann, pasando por Mozart, Haydn, Grieg, Elgar,Sibelius, Dvorak, Holst, Tschaikowsky, Respighi, Mendelssohn y Schubert, hasta llegar a Britten, Barber y Bartok, y, por supuesto, compositores españoles como J. Turína, E. Toldrá, X. Montsalvatge, etc… algunos importantes compositores actuales como Z. de la Cruz, S. Brotons, J. Medina , M. Gosálvez, J. Zarate, I. D. Martínez, N. de las Heras, D. Mateos, R. García, entre otros, han escrito y dedicado obras para ésta orquesta.

La Camerata de Madrid es una orquesta de cuerda muy ligada a la Música Contemporánea y especialmente a los compositores actuales de nuestro país. Han participado en el XIV Ciclo de Música Contemporánea de Málaga 2008 donde realizaron obras de I. Strawinsky, Daniel Mateos, un estreno absoluto de Nicanor de las Heras y dos estrenos en España de obras de Zulema de la Cruz y Luis de Pablo.


CARLOS CUESTA
Director invitado


Carlos Cuesta es uno de los directores más activos del panorama musical español. Su gran interés por la música de nuestro tiempo le ha llevado a realizar una importante cantidad de estrenos mundiales y de grabaciones de obras de autores españoles y americanos. En Santa Fe (Argentina) crea los “Encuentros de Compositores Hispanoamericanos” y desde 2004 colabora con el Núcleo Música Nueva de Montevideo y la orquesta del SODRE en el estreno y recuperación de música latinoamericana.- En los últimos cinco años colabora asiduamente en diferentes proyectos con la Orquesta de la Comunidad de Madrid.  Así mismo es creador y director de la Orquesta de Cuerdas “Atelier Gombau” con repertorio de obras esenciales de la música contemporánea internacional y de la composición actual española para esta formación.

En la actualidad es principal director invitado de la Orquesta Filarmónica de Hanoi (Vietnam) con la que interpretará la Novena de Beethoven en Mayo 2010 con motivo de la presidencia española de la Unión Europea, y varios conciertos, en la Opera House de Hanoi durante el año.


Comentarios
Por el profesor, tenor y compositor malagueño Pedro Barrientos



Declaración de intenciones

Aterrizar sin novedades en zonas de encuentro y acuerdos , cuando de lo que hablamos es de Arte , es vano.

El caleidoscopio ofrece tantas vistas como infinitas y dogmatizar sobre estos andurriales es fácil sin sentir un vértigo apabullante. No renunciaré a nada en esta aventura porque si me pongo, ¡Me pongo y punto!

¿Porqué las mayorías tienden a tener la sensación a priori de ser espetados, cuando con  voluntad acuden a un concierto de música contemporánea?
Hoy no nos asusta casi nada y disminuye la lista de sorprendidos a pasos agigantados.

A ver….si mi oreja es una consentidita no escucharé a mas de dos palmos de mis narices y si mi cabecita es acomodaticiamente vaguita, dormiré como un lirón careto mi letargo.
Tengo que hacer el firme propósito de explicarme…. A ver… perdón…, quiero decir que si no estoy comprometido con mi condición humana, corro el riesgo de recibir tortas por todos lados de parte de las fuerzas de la naturaleza sin dar yo un buen sopapo.

¿No ven ustedes a los toros en las plazas? Ellos están comprometidos con sus cuernos y empitonan, si pueden, a todo lo que se ponga por delante. Por esto es necesario, creo , desterrar el tópico de que la música contemporánea es o un timo o un suplicio.

Me he parado a pensar muchas veces que la música contemporánea de hoy será la clásica de mañana y he deducido que estoy equivocado. ¡Es tan compleja la sociedad actual que no he tenido mas remedio que inclinarme hacia el pensamiento resignado de que nos dirigirnos hacia una especie de cambio de juego! Cada vez veo más obsoleta la idea de un “cambio cultural” general o algo así, como ocurriera en todas las épocas y tendencias convulsas de nuestro bagaje. Me llegan las sensaciones de atisbar algo distinto, algo que es puramente individual, algo que se cuece en entrañas profundas. Seguiré con esto en próximas entregas pero quiero dejar la impronta caña cargada de anzuelos.


El concierto- inauguración

El lunes 11 de enero, asistí con mucho gusto a la inauguración y posterior concierto del 16º Ciclo de Música Contemporánea de Málaga en la Sala Cánovas. Baste decir que habría que programar cientos de ciclos de todas las artes, disciplinas, tendencias y culturas; nos haría mejores.

Me niego rotundamente a la idea elitista y halo sacrosanto del que se quieren nutrir ciertos sectores culturales tocándose la nariz con el dedo índice. Mirad…. ¡es tan fácil de entender! Quienes mejor comprenden las estéticas mas vanguardistas e innovadoras...  ¡son los niños! (ahí va otro anzuelo) y un niño tiene de elitista lo que el Diablo de Dios (ahí va otro).

Hacía tiempo que no pululaba por ciertos círculos y mi mente reseteó desde el último evento “vanguardista” al que asistí como espectador; en el medio había una carrera a destajo por ser libre. Me dio la sensación rebelde (para ser yo mismo) de amar a los clásicos (nostalgia pasajera) pero hice comunión con la mayoría de los sensatos y puse los pies en el suelo.

Como diría aquél, el concierto fue muy correcto, buenos compositores, buenos intérpretes, buen público, buen nivel; pero mi animal insaciado devorador repetía ¿Qué hay de lo mío?  ...como decía un muy antiguo y hoy ¿posible? amigo : ¡échate este trompo a la uña!
                             

sábado, 9 de enero de 2010

Programa completo del 16 Ciclo de Música Contemporánea





11 ENE 19:00H Entrada libre con invitación
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
Conferencia inaugural, que contará con la presencia del maestro Tomás Marco Aragón (compositor homenajeado), D. José Luis Pérez de Arteaga (escritor del libro) y como moderador D. Fernando Anaya (coordinador del ciclo).



11 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
CAMERATA DE MADRID
Programa: Obras de M. A. Gris, T. Marco, L. Balada, X. Montsalvatge y S. Brotons.
Director: Carlos Cuesta.
Solista: Javier García Moreno (guitarra).


13 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
RICERCARE ENSEMBLE
Programa: Obras de T. Marco e I. Stravinsky.
Director: Vicente Navasquillo.


15 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
SAX ENSEMBLE
Programa: Obras de T. Marco.
Director: Ángel Gil-Ordóñez.
Solista: Pilar Jurado (soprano).

18 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
MANUEL ESCALANTE
Programa: Recital de piano con obras de F. Ibarra, M. Rodríguez, A. Lara, A. Ginastera, F.J. Torres, y T. Marco.


20 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
ORQUESTA DE CÁMARA DEL AUDITORIO DE ZARAGOZA "GRUPO ENIGMA"
Programa: Obras de C. Cruz de Castro, T. Marco, J. J. Olives y J. Cervelló.
Director: Juan José Olives.
Solista: Trino Zurita (violonchelo).

22 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
ORQUESTA DE CÁMARA IBÉRICA
Programa: Obras de T. Marco, L. Balada, C. Díez y T. Garrido.
Director: Miguel Fernández Llamazares (director artístico) y Tomás Garrido (director invitado).
Solista: Aldo Mata (violonchelo).

25 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
SPANISH BRASS "LUUR METALLS"
Programa: Obras de A. García Abril, J. Villa Rojo, T. Marco, J. V. Egea, V. Roncero, P. Jurado y Z. De la Cruz.


27 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
DÚO BORREGO-GARVAYO
Programa: Obras de T. Marco, L. De Pablo y R. Gerhard.
Solistas: Miguel Borrego (violín) y Juan Carlos Garvayo (piano).

29 ENE 20:30H 5€
TEATRO CANOVAS/ MUSICA
XVI CICLO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
ORQUESTA FILARMÓNICA DE MÁLAGA
Programa: Obras de T. Marco, I. Xenakis y W. Rihm.
Director: Nacho de Paz.
Solistas: Víctor y Luis del Valle (pianos).

viernes, 8 de enero de 2010

XXVII Festival de Teatro de Málaga

Mañana comienza el XXVII Festival de Teatro de Málaga que arranca con las marionetas callejeras de la compañía Le Caramantran que actuarán los días 9 (a las 12 y a las 19 horas) y 10 (a las 12 y las 14 horas) en un recorrido que, desde el Teatro Cervantes, recorrerá calle Granada, la Plaza de la Constitución y calle Larios.
El certamen se clausura el 14 de febrero. Dieciséis propuestas escénicas, entre calle y los dos teatros municipales, serán la columna vertebral de la programación, que también estará jalonada por paradas para el encuentro, charlas y lecturas dramatizadas.

Una programación variada, con predominio de productoras y actores de cine o televisión para el éxito asegurado en taquilla y que guarda perlas como la adaptación teatral de Metrópolis, la obra "El jardín japonés" o la presencia de la mítica Hanna Schygulla, dará cabida también a artistas malagueños como por ejemplo, Laura Insausti y Oscar Romero.